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Repérez les artistes qui
font le marché par leurs biographies et cursus
Les plus ancienne peintures indiennes
sont les peintures sur roche des périodes préhistoriques, comme les
pétroglyphe que l’on trouve par exemple dans les
abris-sous-roche de
Bhimbetka,
dont certaines sont datées de 5500 avant Jésus-Christ. Cette forme de
peinture s’est développé au cours des siècles et on peut découvrir un
exemple de peintures indiennes raffinées, réalisées au
VIIe siècle
dans les cavernes d’Ajantâ,
dans l’État
du
Maharashtra
L’expression picturale, par des
moyens simples et quasiment primitifs, permettrait un passage direct de
l’émotion au montré, de la pensée au geste, de l’œil à la toile. Que l’on
soit attiré par les couleurs, les formes, l’abstrait, le réalisme ou le
figuratif, la peinture serait un moyen plus sûr d’aller vers ce qui
sous-tend notre être, la création. Au moment où il n’y a pas
d’interlocuteur, où la pulsion est là, le couteau et le pinceau
deviendraient alors des moyens puissants,
authentiques, démonstratifs, d’un savoir
faire qui se met en œuvre vite, et peut être donné à voir sans qu’il soit
besoin d’explication
Arte
Pictórico
A pesar de que las obras de
arte son expresión del conciente y a la vez del subconciente, los pintores
utilizan el sentido de la vista por sobre sus ideas y sentimientos. Así por
ejemplo, a manera de Leonardo, emplean líneas de contorno bien definidas,
dando como resultado imágenes siempre enfocadas que invitan al observador a
ubicarse cerca de la obra.
A diferencia de esto, el pintor impresionista se aplica más en la pintura de
sombras que en las figuras en si, resultando imágenes de apariencia
desenfocada. Esto obliga a tomar distancia, nos exime del análisis
esquemático que hacemos de los detalles y nos lleva a observar la obra como
conjunto
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Ce qui caractérise la
peinture est la perception et la représentation de l'intensité. Chaque point
dans l'espace a une intensité différente qui peut être représentée en
peignant en noir ou en blanc, en passant par toutes les nuances de gris.
Dans la pratique, les peintres peuvent mélanger des formes en juxtaposant
des surfaces d'intensité différentes.
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Le serti à la gutta:
On raconte que ce sont les
Mongols, envahisseurs de la Chine, qui rapportèrent en Russie cette idée de
décorer les étoffes de façon définie, volontaire et sans autre hasard que
celui de l’imagination de l’artiste, technique dérivée de celle du
cloisonnement des émaux. Et ce furent les russes blancs et autres habitants
de l’ Europe de l’ Est contraints à l’exil par les bouleversements
politiques résultant de la Première Guerre Mondiale qui apportèrent en
France la technique du dessin serti. Pauvres ou anciens riches ils
apportaient en France ce savoir faire millénaire.
Les immigrants russes fondèrent plusieurs ateliers à Paris et à Lyon
notamment, et audacieux présentèrent leurs réalisations aux grands noms de
la haute couture. Le succès fut total, Paul Poiret et bien d’autres les
sollicitèrent afin d’élaborer quelques uns de leurs plus beaux modèles.
Durant les Années Folles ce fut une floraison d’ateliers de peinture sur
soie utilisant la gutta, rivalisant d’imagination, s’inspirant du courant
artistique Art Déco. Robes fluides, foulards souples, étoles aériennes
peints à la main parérent les belles de l’époque.
Peu d’ateliers survécurent à la Deuxième Guerre Mondiale mais des grandes
maisons continuèrent à fonctionner avec vaillance jusqu’en 1970. Les
nouveaux clients de cette après-guerre notamment à Lyon venaient d’Amérique
ou des Emirats du Golfe. La gutta de l’époque était colorée de poudre d’or
ou de poussière de diamant et ornait de légères mousselines ou des lourds
crêpes de Chine destinés à parer les filles de Shéhérazade ou les stars de
Hollywood . Durant cette période l’Italie apportait aux motifs et aux
couleurs de la gutta une joie et une verve que la soierie lyonnaise trop
solennelle ne possédait pas.
Après les années 70 les grands ateliers fermèrent, seuls quelques artisans
continuèrent penchés sur leurs cadres ou leurs métiers. . Nous tenons à
exprimer ici notre reconnaissance à un de ces derniers artisans, feu Arcady
Kniazieff, qui contribua avec dévouement au nouvel essor de notre art, car
c’est alors que la peinture sur soie devint un loisir créatif pour le grand
public, un moyen d’expression personnelle que tout un chacun pouvait
apprivoiser
Source:
www.dartetdesoie.com
Links
Les sites d'ARTE
réunis sur une seule page : arte.tv (site grand public), la boutique,
artepro (pour les professionnels de l'audiovisuel et des médias),
artepro.com/sales (catalogue de droits audiovisuels d'ARTE France),
arteradio, arte-scope (réservé aux profs de français langue étrangère).
Galerie d'art pour
artistes peintres, sculpteurs et artistes qui souhaitent exposer, être vu
et vendre leurs peintures, sculptures, oeuvres d'art, art contemporain
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Avignon
L'art-thérapie est l'utilisation de l'expression artistique dans l'aide
aux personnes qui ont des troubles psychiques (désordres émotionnels,
stress, manque de confiance) ou des difficultés d'apprentissage .
L'art-thérapie apporte aussi un soutien thérapeutique aux personnes
confrontées à une détresse émotionnelle. Le principe de base est
d'encourager les patients à exprimer leurs sentiments et émotions sous une
forme visuelle ou plastique (peinture, sculpture,dessin, etc.)
Véritable Musée
virtuel francophone présentant de nombreux Maîtres de la peinture
occidentale, leur vie et leurs oeuvres. Des définitions de mouvements
artistiques sont également disponibles. Découvrez le monde des grands
Maîtres de la peinture, artistes d'exception
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patrimoine
La peinture
acrylique est un médium de peinture utilisant des pigments traditionnels
mélangés à des résines synthétiques (latex). Elle a été inventée au Mexique
au milieu du XXe siècle par des chimistes de l'Institut National
Polytechnique de Mexico et mise sur le marché en 1950. Elle apparaît en
France dans les années 1960.
Elle a l'avantage de se diluer à l'eau et de sécher vite, ce qui permet de
travailler plus rapidement les différentes couches mais aussi d'être très
solide et indélébile. Ainsi, une peinture acrylique sèche macule
irrémédiablement un support
Le Batik:
Mot d’origine
indonésienne signifiant ce qui se dessine, ce qui se peint. Le procédé
consiste à faire des réserves sur le tissu de manière à empêcher le
passage de la teinture ; la substance protectrice est principalement
la cire et parfois l’amidon, les résines, les pâtes végétales,
l’argile…
Ce n’est pas une technique uniquement réservée à la soie mais c’est
une technique de la peinture sur soie qui, donc, fait partie de
l’histoire de la peinture sur soie.
Les plus anciens batiks que l’on connaisse ont été découverts en
Egypte et datent du V°siècle , en Chine la technique du batik est
connue depuis le VI°siècle et est introduite au Japon au VIII°siècle,
en Inde, sans doute à cause du climat, on n’a retrouvé aucun reste de
batik, cependant les fresques des grottes d’Ajanta datant des VI° et
VII° siècles montrent des personnages dont les vêtements sont décorés
au batik.. On retrouve les mêmes traces à Java et à Bali dans les
temples antérieurs au XIII° siècle. C’est sur l’île de Java que le
batik s’est pleinement épanoui.
En Europe le batik fut introduit par les hollandais au XVII°siècle,et
au siècle suivant ils réalisent eux-mêmes leurs batiks en Hollande. Au
début du XX° siècle la technique se répand en Angleterre et séduit les
créateurs européens, notamment le grand couturier français Poiret.
Engouement qui diminue peu à peu pour reprendre dans les années
soixante.
Actuellement on pratique cet art en Asie du Sud Est, au Japon, en
Inde, en Chine, en Asie Centrale, au Caucase, en Afrique, aux
Etats-Unis, ….et en France. On le pratique, aujourd’hui, de deux
façons :
Le batik
traditionnel avec des réserves et l’immersion du tissu dans un bain de
teinture.
Le batik sur cadre
avec des réserves et l’emploi de peintures liquides
Nous recommandons la collection de batiks anciens de Rudolf Smend dans
sa galerie à Cologne et son livre "Batik de Java et de Sumatra de la
Cour et des Palais".
Le
principe de l'art-thérapie est de décomposer l’ensemble des
mécanismes (psychiques, physiques et sociaux) en jeu dans
l’activité artistique afin de les utiliser pour le soin ou
l’aide sociale avec l'objectif d'améliorer la qualité de vie.
L’art-thérapeute envisage le patient dans une globalité, sur les
plans physiques, psychiques et sociaux. Il n’interpréte pas
l’œuvre et ne travaille pas sur la charge symbolique des actes
du patient. L’art-thérapeute travaille le plus souvent avec une
équipe pluridisciplinaire en élaborant un protocole
thérapeutique adapté à chaque patient, en fonction des objectifs
fixés.
L’art-thérapeute croit aux effets intrinsèques de l’art et du
potentiel de l'activité artistique. Sa connaissance de
l’activité artistique et de la pathologie du patient lui permet
d’adapter son activité au patient. Le choix de la technique
artistique se fait principalement par le patient, sur
proposition de l’art-thérapeute, en fonction de la sensibilité
et des goûts du patient. L’art-thérapeute accompagne le patient
dans le cheminement artistique, de la contemplation d’œuvres
d’art, à la pratique, dans le plaisir d’une activité à but
esthétique.
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